JULY 30, 2026 – FEBRUARY 28, 2027

Against A State of Malevolence invites visitors into immersive textile environments by Sarah Zapata  (b. 1988 Corpus Christi, TX ) that unfold through color, texture, scale, and movement. A builder of worlds, Zapata draws from weaving traditions, architecture, queer identity, and her Peruvian heritage, transforming textiles into emotional objects that are at once tactile, monumental, and symbolic. Through weaving, tufting, and sewing, she creates installations that invite viewers not only to look at, but to move through.

Visitors first encounter Blue in the Hands of Prospect (2025), a contemplative environment shaped by layered blue textiles, handwoven surfaces, and striped sculptural forms. A later body of work, presented here as a complementary environment, Zapata’s installations insist on the flexibility of textiles—not only in their material plasticity, but in their capacity to transform and co-opt architectural space. Textural plinths echo geoglyphic forms inspired by her ongoing engagement with textile-weaving ancient Andean cultures, particularly the Nazca. Like the monumental Nazca geoglyphs etched into the desert landscape—forms too vast to be fully understood from a single viewpoint—her installations unfold through movement, sensation, and partial perspective rather than fixed interpretation.  This approach reflects a Nazca ethos of making art for its own sake––an “anarchic” impulse that resists instrumentalization and aligns with an anti-futurist return to handmade, manual processes. Textiles, in Zapata’s hands, become records of duration and gestures of persistence like those of past Andean practitioners, holding time as land does.

The exhibition then shifts into the chromatic intensity of A Famine of Hearing (2019)—a landmark textile installation by Sarah Zapata recently acquired by The Bass.  At once sensorial and symbolic, A Famine of Hearing pulses with a charged vitality—its layered textiles evoking a condition of flying too close to the sun, where optimism and collapse are inseparable. Its saturated reds and greens—colors culturally coded as sacred, joyful, and pure due to the associate with Christmas in the United States—are reconfigured here as sites of tension, exposing the entanglement of beauty with systems of capitalism.

This piece has proven uncannily responsive to the shifting climate of its own existence. First conceived before the global rupture of the COVID-19 pandemic, it has since taken on new meanings, remaining relevant throughout uncertainty, denial, and reorientation. Zapata foregrounds our collective delusion: a willful blindness to the structures that shape desire and belief, heightened within contexts like Miami, where spectacle and commerce converge so visibly in the contemporary art world.

This exhibition marks a pivotal moment in Zapata’s career. Re-presenting her first fully realized, large-scale installation, A Famine of Hearing stands as a cornerstone of her practice. In the years since its creation, Zapata has deepened her commitment to handwoven textiles, embracing their inherent relationship to time, labor, and touch, evident in Blue in the Hands of Prospect. Never before exhibited together, these two installations trace both a foundational throughline and a dynamic evolution. Zapata repositions softness, ornamentation, and handmade labor as powerful forms of contemporary expression. Her installations embrace excess, tactility, vulnerability, and gathering as forms of resistance to rigidity and disconnection.

Against a State of Malevolence unfolds as an arc: viewers enter through fields of blue—an atmosphere of calm, uncertainty, and open-ended possibility—before encountering the chromatic intensity and spatial disruption of her earlier installation work, before ultimately returning to blue once more. Here, “prospect” signals both land and outlook: a terrain not yet fixed, a future not yet known.

Zapata’s turn to installation art emerged from a desire to create spaces for gathering amid instability—a need that remains pressing. If her earlier work maps the contours of collective delusion, her recent practice gestures toward collective resilience. Together, these environments offer not resolution, but a shared space of reflection: a place to move through dissonance, to recognize recurrence, and to imagine, however tentatively, what might come next.

ARTIST STATEMENT

The heart is the toughest part of the body. Tenderness is in the hands. Against A State of Malevolence came a sense of matter, then light, then limits. Human enlightenment could be described as the evolving ability to understand the nature and intricacies of restriction. Sometimes we are the spider, sometimes we are the fly; we were always meant to be bored. Thinking cannot only flourish when the web is being spun. Weaving will always be guiding our bodies, adorning the space that encloses us, reflecting how space defines our sense of time. It is through fantasy and the suspension of time that we will only be able to access what is next; to fight against a famine of hearing. Not by absolving the ballasts of futurism, but by building our own arborescence. How do we define personhood? Not by hierarchies or the social contract, but by our humanness that transcends and defines innovation, rather than the latter destroying us. We are empty, we are built, we are many things, but we are not undone; we are a landscape that expands past material. It is here that we are blue in the hands of prospect, that we are in spaces always surrounded by spiders, accessing something that has not yet been dreamed, yet cannot be unimagined.

ARTIST BIOGRAPHY

Sarah Zapata (b. Corpus Christi, TX 1988; lives and works in New York City) employs weaving, tufting and traditional craft techniques to create loud, architecturally responsive installations that traverse themes of gender, colonialism and fantasy. Zapata’s site-specific works reflect her intersecting identities as a queer woman of Peruvian heritage raised in Evangelical Texas and now based in New York. Zapata has held solo exhibitions at the ASU Art Museum, Kemper Museum of Contemporary Art, Museo MATE, amongst many others. Her work is in the permanent collections of the Stedelijk Museum, Museo de Arte de Lima, the Museum of Arts and Design, the Bass Museum of Art, amongst many others. Zapata has been in group exhibitions at the Buffalo AKG Museum, the Barbican Centre, the Shepherd, the New Museum, the Cheech Museum, amongst many others. She has received grants from the Harpo Foundation, the Foundation for Contemporary Arts, the Dallas Museum of Art, amongst others. Zapata has been in residence at the International Studio & Curatorial Program, Fountainhead, the Museum of Arts and Design, amongst others. She is a 2026 resident at the Chinati Foundation in Marfa, TX.

EN ESPAÑOL

Against a State of Malevolence invita al espectador a sumergirse en los entornos textiles de Sarah Zapata (n. 1988, Corpus Christi, Texas), que se despliegan a través del color, la textura, la escala y el movimiento. Como creadora de mundos, Zapata se inspira en las tradiciones del tejido, la arquitectura, la identidad queer y su propia herencia peruana, transformando sus tejidos en emotivos objetos que son a la vez táctiles, monumentales y simbólicos. A través del tejido, el bordado y la costura, crea instalaciones que invitan al espectador no solo a observarlas, sino también a recorrerlas.

La experiencia comienza con Blue in the Hands of Prospect (2025), un espacio contemplativo conformado por tejidos azules superpuestos, superficies hechas a mano y formas escultóricas rayadas. En una serie de obras posteriores, presentadas aquí como un entorno complementario, las instalaciones de Zapata persisten en evidenciar la flexibilidad de los tejidos, no solo por su plasticidad material, sino también por su capacidad para transformar y apropiarse del espacio arquitectónico. Pedestales texturizados evocan las formas de los geoglifos y se inspiran también en su continuo interés por las técnicas de tejido de las antiguas culturas andinas, en particular la cultura Nazca. Al igual que los monumentales geoglifos de Nazca trazados sobre el paisaje desértico, formas demasiado vastas para poder contemplarlas en su totalidad desde un único punto de vista, sus instalaciones se despliegan a través del movimiento, la sensación y la perspectiva parcial, más que mediante una interpretación fija.

Este enfoque refleja la filosofía nazca de crear arte por el arte mismo: un impulso “anárquico” que se resiste a la instrumentalización y se alinea con un retorno anti futurista a los procesos manuales y artesanales. En manos de Zapata, los tejidos se convierten en registros de la duración y gestos de persistencia, similares a los de los antiguos artesanos andinos, reteniendo el tiempo como lo hace la tierra.

La exposición luego vira hacia la intensidad cromática de A Famine of Hearing (2019), una emblemática instalación textil recientemente adquirida por The Bass. Sensorial y simbólica a la vez, A Famine of Hearing rebosa una vitalidad intensa; sus capas de tejidos superpuestos evocan la sensación de volar demasiado cerca del sol, en donde el optimismo y el colapso son inseparables. Sus rojos y verdes saturados, colores que culturalmente son asociados a lo sagrado, lo festivo y lo puro debido a su relación con la Navidad en Estados Unidos, son aquí reconfigurados como focos de tensión, poniendo de manifiesto el entrelazamiento de la belleza con los sistemas del capitalismo.

Esta obra ha demostrado una capacidad asombrosa para adaptarse a los cambios en el contexto de su propia existencia. Concebida inicialmente antes de la crisis mundial provocada por la pandemia de COVID-19, ha adquirido desde entonces nuevos significados, manteniendo su relevancia a través de periodos de incertidumbre, negación y reorientación. Zapata pone de relieve nuestro engaño colectivo: una ceguera voluntaria frente a las estructuras que moldean nuestros deseos y creencias, que se acentúa en contextos como el de Miami, donde el espectáculo y el comercio convergen de forma tan evidente en el mundo del arte contemporáneo.

Esta exposición marca un momento crucial en la carrera de Zapata. Al volver a presentar su primera instalación a gran escala, A Famine of Hearing se consolida como una piedra angular de su práctica. En los años transcurridos desde su creación, Zapata ha profundizado su compromiso con los tejidos artesanales, abrazando su relación intrínseca con el tiempo, el trabajo y el tacto, algo que se hace evidente en Blue in the Hands of Prospect. Estas dos instalaciones, que nunca antes se habían expuesto juntas, trazan tanto un hilo conductor fundamental como una evolución dinámica.

Zapata redefine la suavidad, la ornamentación y el trabajo artesanal como formas poderosas de expresión contemporánea. Sus instalaciones abrazan el exceso, lo tactil, la vulnerabilidad y la reunión como formas de resistencia frente a la rigidez y la desconexión.

Against A State of Malevolence se desarrolla como un arco narrativo: los visitantes entran a través de campos azules, una atmósfera de calma, incertidumbre y posibilidades abiertas, antes de encontrarse con la intensidad cromática y la ruptura espacial de sus instalaciones anteriores, para finalmente volver al azul una vez más. Aquí, el término prospect alude tanto a la tierra como a la perspectiva: un terreno aún sin definir, un futuro aún desconocido.

La incursión de Zapata en el arte de la instalación surgió del deseo de crear espacios de encuentro en medio de la inestabilidad, una necesidad que aún apremia. Si su obra anterior traza los contornos del engaño colectivo, su práctica reciente apunta hacia la resiliencia compartida. En conjunto, estos entornos no ofrecen una solución, sino un espacio compartido de reflexión: un lugar donde transitar la disonancia, reconocer aquello que se repite e imaginar, aunque sea de manera tentativa, lo que podría venir después.

SOBRE LA ARTISTA Y SU OBRA

El corazón es la parte más resistente del cuerpo. La ternura habita en las manos. En Against A State of Malevolence surgió primero la noción de la materia, luego de la luz, y finalmente de los límites. La iluminación humana podría entenderse como la capacidad evolutiva de comprender tanto la naturaleza como la complejidad de las restricciones que nos rodean. A veces somos la araña, otras, la mosca; siempre estuvimos destinados al aburrimiento. El pensamiento solo puede florecer mientras se teje la telaraña. El tejido siempre estará guiando nuestros cuerpos, adornando el espacio que habitamos y reflejando la manera en que ese espacio moldea nuestra percepción del tiempo. Es a través de la fantasía y de la suspensión del tiempo que podemos acceder a lo que está por venir; enfrentando una “escasez de audición” (a famine of hearing), no liberándonos del peso del futurismo, sino construyendo nuestra propias ramificaciones y formas de crecimiento. ¿Cómo definimos la identidad personal? No es mediante jerarquías ni contratos sociales, sino a través de una humanidad capaz de trascender y dar forma a la innovación, en lugar de permitir que esta nos destruya. Estamos vacíos, y al mismo tiempo, construidos. Somos muchas cosas, pero no estamos deshechos; somos un paisaje en expansión que existe más allá de lo material. Es aquí donde nos entregamos a las posibilidades de lo que aún esta por venir (Blue in the Hands of Prospect), habitando espacios siempre rodeados de arañas y accediendo a algo que todavía no ha sido soñado, pero que ya no resulta imposible dejar de imaginar.

BIOGRAFÍA DE LA ARTISTA

Sarah Zapata (n. en Corpus Christi, Texas, en 1988; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York) emplea técnicas de tejido, bordado y artesanía tradicional para crear instalaciones vibrantes y de gran presencia arquitectónica que exploran temas relacionados con el género, el colonialismo y la fantasía. Sus obras para sitios específicos (site-specific) de Zapata reflejan sus identidades entrelazadas como mujer queer de ascendencia peruana, criada en el entorno evangélico de Texas y actualmente radicada en Nueva York. Zapata ha presentado exposiciones individuales en instituciones como el ASU Art Museum, el Kemper Museum of Contemporary Art y el Museo MATE, entre otras. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Stedelijk Museum, el Museo de Arte de Lima, el Museum of Arts and Design y el The Bass Museum of Art. También ha participado en exposiciones colectivas en instituciones como el Buffalo AKG Art Museum, el Barbican Centre, The Shepherd, el New Museum y el The Cheech Marin Center for Chicano Art & Culture. A lo largo de su trayectoria, ha recibido becas y subsidios de organizaciones como Harpo Foundation, Foundation for Contemporary Arts y el Dallas Museum of Art. Asimismo, ha realizado residencias artísticas en instituciones como el International Studio & Curatorial Program, Fountainhead y el Museum of Arts and Design. En 2026 fue seleccionada como artista residente de la Fundación Chinati en Marfa, Texas.